Hier stimmt so viel: Die Figuren sind klar gezeichnet, klug beobachtet und ihnen kann trotz all ihrer vermeintlichen Fehler mit Empathie begegnet werden. Alleine aus Gründen meines Alters resoniert der Film in so vielen Momenten mit mir, meinen Erfahrungen und meinem Empfinden. Dennoch habe ich mir am Ende die Frage

Ein ganz zarter Hauch magischer Realismus weht hier durch Mecklenburg. Aber auch aus der Ruhe, der Lakonie und der vollzogenen Kreisbewegung heraus entstehen so viele zarte magische Momente ✨ Mit nur sehr wenigen Worten und einer klugen Figurenanordnung sowie -bewegung gelingt dem Film eine außergewöhnliche Auseinandersetzung mit dem Tod, Verlust, Schuld,

Dem nachzufühlen, wie die Ikonenbildung Ted Bundys ablief, ist für eine Mainstream-Unternehmung wie diese hier ziemlich ambitioniert. Deshalb hat es mich auch nicht überrascht, dass der Film an dieser selbst gestellten Aufgabe scheitert. Geärgert hat mich letztlich vor allem die Art und Weise, wie das passiert. Wie konnte Ted Bundy

Der Film beginnt mit einem Zitat von Pier Paolo Pasolini: „La conoscenza è nella nostalgia. Chi non si è perso non possiede.“ (Hier übersetzt mit: „Die Erkenntnis liegt in der Nostalgie. Wer nichts verloren hat, besitzt sie nicht.“) Aber ist Nostalgie nicht auch immer mit dem verklärten Blick auf sein

Konsequent ist, wie der Film die ökonomischen Zwänge, Einbahnstraßen und Sackgassen herausarbeitet, in denen sich so viele Menschen im Nahen Osten befinden, herausarbeitet. Aber vor der Systemfrage scheut der Film zurück – jedoch aus gutem Grund. Denn warum weiter an einem System arbeiten, wenn es bereits unrettbar kaputt ist? Die letztlich

Wie der Film mit dem aus einem Leben mit angezogener Handbremse auf den immer gleichen Fahrwegen entwachsenden Unbehagen spielt, wie er ein Aufbrechen dieser verkrusteten Strukturen in scheinbar greifbare Nähe rückt und wie er diese Verheißungen noch vor dem eigentlichen Kipppunkt des Plots schließlich dekonstruiert, das hat mir gefallen. Bis

Bei sozialem Realismus aus dem Herzen Englands ist ein Vergleich mit Ken Loach eigentlich unumgänglich. Dem hält Andrea Arnold mit Leichtigkeit stand und findet hier eindeutig eine eigene Handschrift – vor allem durch die im allerbesten Sinne penetrante Handkamera. Die schafft einen filmischen Kontext für den Stress, unter dem in Armut

Ob der ganzen wohlwollenden Kritiken und positiven Bewertungen frage ich mich, ob ich irgendwie einen anderen Film gesehen habe… Die gütigste Formulierung, die mir einfällt: Ich finde diesen Film aufs Übelste irritierend. Denn es geht hier nicht darum, dass die Anordnung ein immer größeres Unbehagen erzeugt, weil etwas auf mysteriöse

Wie Ramon Zürcher hier die Poesie aus dem Alltäglichen und der alltäglichen Sprache herausschält, ist wirklich ganz großes Kino. „Was sind Lungenflügel?“, fragt das Mädchen. „Das sind die beiden Flügel der Lunge, damit sie im Notfall wegfliegen kann“, antwortet die Frau. Die Kamera widmet sich jeder Figur gleichberechtigt und wortwörtlich

Ich will nicht leugnen, dass es schon auch ein bisschen cool ist, diesen beiden alternden Stars in diesen Rollen zuzuschauen. Denn das sind im Prinzip zwei Figuren, die nicht an völliger Selbstüberschätzung und Selbstüberhöhung leiden, sondern sich regelrecht darin suhlen. George Clooney und Brad Pitt spielen Figuren, die lieber irgendwo

Hiervor hatte ich von Robert Altman nur THE PLAYER (1992) gesehen. Ohne konkrete Erwartung hat der mich komplett damit überrascht, wie passgenau und rund das alles zusammengeknüpft wurde. Und genau so ging es mir nun hier wieder. Ein Film Noir verdichtet zum L.A. Noir und einer von innen faulenden

Der allergrößte Wurf ist das hier sicherlich nicht und das liegt für mich vor allem daran, dass die Abweisung Charles Mansons durch einen Plattenboss als entscheidender Katalysator in der Eskalation der Gewalt geframt wird. Das erscheint mir ähnlich fehlgeleitet, wie aus Hitlers erfolgloser Bewerbung an der Kunstakademie heraus, auf die

Eine offenkundig zeitlose Relevanz lässt sich dem Film nicht in Abrede stellen. Denn an den strukturellen Problemen, die hier immer und immer wieder in den Vordergrund drängen, hat sich über die Jahrzehnte zwar etwas bewegt, aber das regelrecht im Schneckentempo. Dazu eine inspirierende Geschichte mit der immer tollen Garance Marillier,

Dieser Banger von Soundtrack und eine Ästhetik, die sich nur als Cyber-Camp beschreiben lässt… Wie kann man sich davon nicht verführen lassen? Mit großer Konsequenz, starkem Selbstbewusstsein und genau dem richtigen Maß an Selbstironie wird hier inszeniert, ohne sich jemals über die eigenen Protagonistinnen lustig zu machen. Dabei wird Hackerinnenkultur

Allein Tilda Swintons Spielfreude und Joanna Hoggs beeindruckendem Stilwillen beiwohnen zu dürfen, ist eigentlich schon genug. Wie sich die damalige Diplomandin die Hochglanzästhetik der Fashion- und Modewelt aneignet, sie verheiratet mit Elementen des deutschen expressionistischen Films und so auch einen entrückten Abstieg in eine vom Konsum bestimmte Welt, in der

Das Setting dieses Films birgt so viel Potenzial… Wie spannend wäre es bitte gewesen, dem Abstieg in den Wahnsinn der nationalsozialistischen Ideologie beizuwohnen, das Psychogramm eines immer blinderen Eiferers zu sehen? Der Film proklamiert sogar bedeutungsschwanger auf einer abschließenden Texttafel den historischen Fakt, dass die Napola-Schüler auf den letzten Kriegsmetern

Bei aller Komik und vermeintlicher Leichtherzigkeit wohnt diesem Film letztlich doch etwas sehr Bitteres und aus heutiger Sicht auch umso Zeitloseres inne. Die Linken und liberalen Intellektuellen verzetteln sich mit ihrem „Man müsste jetzt aber mal“ und Grabenkämpfen innerhalb des eigenen Lagers, während die Rechten ungestört mit ihrer Demagogie klare

Es wird wieder Zeit für einen neuen Eintrag in meiner so verabscheuten Lieblingskategorie: aggressives Mittelmaß. Alles an FLY ME TO THE MOON ist elendig ermüdend. Sämtliche Motive sind abgegriffen. Greg Berlanti inszeniert seinen Film, wie man NASA-Filme eben inszeniert. Sogar die Figuren sind abgegriffen. Jim Rash spielt einfach seine einstige

Seit Jahren rauche ich nicht und trinke auch keinen Alkohol mehr. Jetzt komme ich aus dem Kino und finde, es ist ein guter Zeitpunkt, mit beidem wieder anzufangen. THE SUBSTANCE gehört definitiv in die Kategorie „Die besten Filme, die ich nie wieder sehen möchte“ – begonnen beim Sound-Design, das bereits eine

Wenn ich dem Film eins lassen muss, dann wie er Genre umarmt. Auch wie er drängende Themen unserer Zeit zueinander in Beziehung setzt, ist durchaus erfrischend. Die Lebensräume von Mensch und Tier rücken immer näher aneinander, überschneiden sich immer öfter direkt. Und das stellt nicht nur den Fortbestand der vermeintlich

Wer läuft hier eigentlich den Marathon – Dustin Hoffman als sportbesessener Historiker oder doch Laurence Olivier als Altnazi seit 1945? „Is it safe?“ Nicht mehr für dich, Arschloch. ★★★½☆ US, R: John Schlesinger, D: Dustin Hoffman, Laurence Olivier, Roy Scheider, William Devane, Marthe Keller, Trailer, WikipediaDer Marathon-Mann - Stream: Jetzt Film online